TATE GALLERY

Fondée en 1897 à partir de la collection d’Henry Tate (sous le nom de ‘National Gallery of British Art’), la Tate Gallery devint huit ans après l’un des grands musées nationaux. A ses débuts, exclusivement consacrée à l’art britannique (peinture, sculpture et arts graphiques depuis le seizième siècle), la Tate reçut l’autorisation en 1917 - par le biais du Rapport Curzon - de se tourner vers l’art moderne international. Tout au long du vingtième siècle, la collection de la Tate s’agrandit (elle possède actuellement soixante-sept mille œuvres) et se diversifia. A titre d’exemple, les conservateurs intégrèrent l’art vidéo à partir de 1972 (nota: cette pratique artistique fut peu collectionnée jusqu’au milieu des années quatre-vingt dix).

Le Web-art attira l’attention des responsables en 1999 et fut, dès l’année suivante, placé dans un cadre parfaitement bien structuré. En l’espace de cinq ans, la Tate a déjà commissionné – avec un soin tout particulier – sept web-créations. Il est intéressant de signaler que depuis la restructuration de la Tate, l’espace virtuel consacré au Web-art – la ‘Tate Connexion’ – est considérée comme la cinquième galerie de l’institution (aux côtés des Tate Britain, Modern, Liverpool et St Ives).

Pour accompagner le ‘Tate Bankside Annual Event’ (1999, Borough Market, Southwark St, Londres), la Tate commissionna son premier projet sur le Web: Broadcast [1] de Karen Guthrie et de Nina Pope [2]. S’inspirant des Contes de Canterbury [3] écrits par Geoffrey Chaucer (1380), les deux artistes choisirent de s’intéresser aux pérégrinations de vingt-neuf ‘pèlerins des temps modernes’ (artistes, écrivains et étudiants). Durant toute la journée du 11 septembre 1999 (de 10h30 à 22h00), les voyageurs purent raconter via broadcast leurs récits au Borough Marketplace (Southwark). Suite à cet événement, la Tate plaça, sur son site, toutes les archives collectées (textes, images, vidéo au format real…).

Au printemps 2000, Sandy Nairne, la directrice des programmes nationaux, demanda à Matthew Gansallo [4] de sélectionner deux web-créations. Celles-ci étaient destinées à accompagner l’événement majeur qu’était l’adjonction de la Tate Modern (ainsi que l’inauguration du nouveau website de la Tate [5]).

Pour être correctement informé sur cet art atypique et en découvrir les nouvelles possibilités, Matthew Gansallo et quelques conservateurs de la Tate commencèrent par se rendre au Zentrum fur Medientechnologie de Karlsruhe [6] (en février 2000). En collaboration avec le célèbre commissaire d’exposition Peter Weibel, ils s’informèrent sur quelques artistes ‘prometteurs’.

Une fois de retour à Londres, le choix des premières œuvres se fit en comité restreint. Matthew Gansallo s’entoura de trois conseillers: Tom Bets (éditeur sur le Web), ainsi que Matthew Fuller et Lisa Haskel (tous deux conservateurs). Sur les recommandations de Sandy Nairne, ils ne cédèrent pas à l’excitation (aux initiatives trop ambitieuses et par conséquent trop vagues) et se concentrèrent pour bâtir un projet cohérent et parfaitement bien cerné. Lisa Haskel établit une première liste d’artistes susceptibles de convenir: Irational, JoDi, Graham@Montgrel… Au regard de cet inventaire, Gonsallo estima qu’il fallait ajouter un nouveau critère au choix final: la reconnaissance dans d’autres domaines artistiques plus traditionnels (les noms d’Emma Kay [7], d’Angus Fairhurst [8]… furent alors évoqués). Le choix final se porta sur Simon Patterson [9] et sur Graham Harwood (du groupe Montgrel [10]).

La webcréation de Graham Harwood [11] est un virulent pastiche du site de la Tate Gallery, critiquant les valeurs sociales de l’institution (c'est-à-dire celles de l’élite anglaise). Sur la page de garde (similaire à celle de la Tate [12]), Montgrel indiqua [13]:

« - La Collection du Tate Bâtard: le passé et le présent de la collection bâtardisée avec la boue, la pellicule visqueuse et les croûte de la Tamise.

- Le Tate Bâtard de la Grande-Bretagne: l'hôte pendant 500 ans de petits chéris délectables et d'objets de luxe, reflet moral des objectifs sociaux et colonne vertébrale de l'élite Britannique.

- Tate le Bâtard Moderne: une nouvelle galerie principale montrant, elle aussi, de beaux petits chéris délectables et des objets de luxe, reflet moral des objectifs sociaux et colonne vertébrale de l'élite Britannique, logée dans l'ancienne Centrale électrique sur la banque sud de la Tamise (Bankside Power).

- Le Tate Bâtard de Liverpool: la plus grande galerie d'art moderne au Royaume-Uni mise sur pied grâce aux émeutes de Toxteth.

- Le Bâtard Tate St Ives: tout l'art moderne britannique situé près d'un site côtier spectaculaire et logé dans le secteur des plus bas salariés de la Grande-Bretagne. »

A côté des chefs d’œuvres de la galerie (tableaux de Hogarth, Turner…), Harwood introduisit des images ironiques et des textes subversifs sur l'histoire « bâtarde » du musée, son côté sombre, occulté par l'esthétisation et les beaux objets. En réalisant ce ‘sub site’, l’artiste voulut montrer la dualité des grandes institutions muséales actuelles (d’une part à considérer comme des ‘temples de l’art’ et d’autre part comme des ‘outils de démocratisation culturelle’). Véritable cocktail explosif, l’œuvre déchaîna tout naturellement de farouches critiques ; elle fut jugée tellement tendancieuse qu’elle dut être modifiée à de maintes reprises (vingt-cinq fois selon l’artiste). Même les conservateurs aguerris (comme Christine van Assch) s’interrogèrent sur les limites à fixer pour les web-créations au sein des musées.

Très loin des préoccupations hacktivistes [14] de son homologue, Simon Patterson réalisa une œuvre beaucoup plus légère. Il se servit d’un commentaire de résultats de football (prononcé par Eugène Sacomaco sur Radio France) pour élaborer son Match des couleurs. A chaque équipe, il associa arbitrairement un code hexadécimal en usage sur le Net [15]. Lors de l’écoute des résultats, l’internaute voit la couleur apparaître dans une fenêtre.

Dans une interview menée par Sarah Cook, Matthew Gansallo expliqua avoir eu des difficultés à transmettre ses conceptions sur le Web-art aux responsables de la Tate. Il dut convaincre les responsables du marketing que le website devait être à la fois un lieu informatif et un support pour l’art. Il dut également expliquer au service de presse et de publicité comment apporter les informations sur les œuvres (il refusa toute approche expérimentale et souhaita qu’elles soient commentées comme n’importe quelle autre œuvre). Enfin, il dut persuader ses collègues conservateurs que la Tate n’avait besoin que d’un lieu purement virtuel (dès le début, il refusa de créer des salles remplies d’ordinateurs aux allures de bureau).

Susan Morris indiqua dans son rapport que la Tate Gallery n’était pas propriétaire de ces web-créations. Le musée passa simplement un accord d’exclusivité pour une durée de un an avec les artistes (licence payée dix mille livres par commission). Si un créateur le souhaite, il est libre, une fois le contrat terminé, de retirer son œuvre du site de la Tate.

Les deux premières œuvres - lancées le 12 juillet 2000 - furent perçues comme des réussites [16] et incitèrent les responsables de la Tate à engager un véritable programme de promotion du Web-art (cf. l’exposition Art Now en 2001 dans laquelle furent présentées trois installations exploitant les possibilités du Net).

En 2002, la Tate relança son programme de commissions de Net-art. Pour le choix des œuvres, elle s’adressa cette fois au Digital Programmes Departement. Celui-ci rédigea une liste de quatorze artistes (ou collectifs) susceptibles de convenir. Au mois de juillet, nous pûmes admirer sur le site les deux premières œuvres retenues: Border Xing Guide de Heath Bunting [17] et Tate in Space de Susan Collins [18].

L’œuvre de Heath Bunting est un site informatif axé autour de la thématique de la traversée de frontière. Son originalité réside dans le fait qu’elle n’est visible qu’à partir de certains lieux disposant d’IP fixes. Lorsque l’internaute arrive sur la page d’accueil du site [19], il est invité à se rendre dans l’un des endroits listés pour avoir accès à l’œuvre (par exemple, le Dixie Bar situé sur la Place d’armes à Calais). L’œuvre déclencha de nombreuses polémiques et fit réfléchir les critiques sur l’accès à la libre information via le Web. Le débat fut encore plus houleux lorsque, très facétieusement, l’artiste donna des autorisations d’accès à certains musées: le Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean au Luxembourg, l’ICA de Londres, le Musée de San Paolo lors de la Biennale…

Tout comme Border Xing Guide, Tate in Space est une œuvre sur le thème de l’expansion artistique. Partant du constat que le site de la Tate était devenu l’un des grands phares de la culture internationale (deux millions de visiteurs par an), Susan Collins comprit que pour élargir la zone d’influence du Tate Trustees il fallait l’étendre à l’espace. Elle créa alors un site dataïste: elle mit au point un concours et invita les internautes à lui envoyer des images pour concevoir le design d’une future Tate in Space. Le concours prit fin le 20 janvier 2003 (actuellement, les internautes sont toujours invités à voir les images retenues). Dans le dossier de presse, nous pouvons lire que le site fut imaginé comme une « intervention [...] une arène pour le débat et l’imagination. Le projet soulève des questions sur les ambitions culturelles et institutionnelles ainsi que sur les désirs très humains d’observation et de communication [20]. »

En 2003 et 2004, la Tate reçut une importante aide financière de la Fondation Langlois (programme ‘Net Art at Tate: A Program of Net Art Commissions’) pour commissionner quatre œuvres (deux auraient dues être diffusées à partir de septembre 2003 - dans les faits, une seule le fut [21] - et deux autres devraient être mises online en mai 2004).

A l’heure actuelle, la Tate n’a toujours pas de conservateur spécialisé dans les new media arts et escompte diffuser les œuvres commandées sur son site Web pendant cinq ans.

[1] Archives visibles au: http://www.somewhere.org.uk/broadcast/index.htm

[2] Nina Pope (née en 1968) and Karen Guthrie (née en 1970) collaborent depuis 1995 sur de nombreux projets (installations et performances) exploitant les nouvelles technologies (Internet, video…). Elles exploitent le réseau comme médium depuis 1996 (projet ‘A Hypertext Journal’). Relativement connues, elles venaient – quelques semaines avant cette œuvre – de recevoir l’Imaginaria Award. En octobre 1999, leur travail était également montré à l’ICA (Londres).

[3] Dans ce livre, sont successivement narrées les aventures d’une trentaine de pèlerins se rendant au tombeau de Saint Thomas de Canterbury. Un soir, les voyageurs – réunis dans l'hôtellerie du faubourg de Southwark – racontent leurs histoires, chacun en fonction de son caractère, de son sexe, de sa classe sociale (un homme de loi, un clerc d'Oxford, un seigneur de campagne, un médecin, un intendant de grande maison, un officier des tribunaux ecclésiastiques, un capitaine de vaisseau marchand, de riches bourgeois…).

[4] Après des études d’art et d’architecture et une carrière de commissaire d’expositions, Matthew Gansallo fut appelé par la Tate Gallery comme ‘Senior research fellow’.

[5] Le premier website de la Tate Gallery fut créé en février 1998. Très simple, il fut établi et mis à jour par un seul web éditeur travaillant trois jours par semaine. En mars 2000, la Tate lança un nouveau site beaucoup plus sophistiqué comportant: une vitrine électronique (commune avec le MoMA), une base de documents numérisés, un programme d’événements visibles via webcast, des forums de discussions… En 2001, le site revendiqua plus d’un million sept cents mille visiteurs. Le temps moyen de visite était supérieur à sept minutes (statistiques fournies par le groupe Htiwise).

[6] Ils eurent l’occasion de découvrir l’exposition ‘Net Condition’ montrant soixante neuf projets spécifiquement réalisés pour le Web.

[7] Emma Kay (née en 1961 à Londres): son travail est essentiellement axé autour de la mémoire (écriture de récit en juxtaposant des données historiques et des histoires fictionnelles). Elle a entre autre exposé à la Biennale d’Istanbul (1998), à la Tate Gallery (1999), à la Biennale de Sydney (2002) et à la Kunsthalle Budapest (2003). Vit et travaille actuellement à Londres.

[1] Angus Fairhurst (né en 1966 à Penbury, Kent): Connu dans les domaines du dessin, de la peinture, de la photographie, de la performance sonore, de l’art informatique et de la sculpture. Son travail est essentiellement axé autour de la société de consommation. Il a notamment exposé au: Karsten Schubert (Londres, 1990), White Cube (Londres, 1996), Contemporary Fine Arts (Berlin, 1997), Sadie Coles H.Q. (Londres, 1998). Cf. sa biographie au: http://www.cfa-berlin.de/lay/fairhurst/fairhurst_bio.html

[9] Simon Patterson (né en 1967 à Leatherhead): artiste reconnu dans le milieu de l’art contemporain depuis la fin des années quatre-vingt. Il se spécialisa dans les phénomènes de substitution. Son œuvre la plus connue est The Great Bear (1992) ; il s’agit d’un plan de métro londonien sur lequel les noms de stations on été remplacés par des noms de personnages célèbres (acteurs, saints, philosophes…). Patterson a déjà été exposé au MoMA (dans le cadre de ‘Project 70’) et fut nominé en 1996 pour le Prix Turner. Le Match des Couleurs fut sa première web-création.

[10] Formé en 1997, le groupe londonien Montgrel est composé de Matsuko Yokokoji, Mervin Jarman, Richard Pierre-Davis et Graham Harwood. Cf. le site du groupe: http://www.mongrelx.org/index.html

[11] Graham Harwood (né en 1960): artiste du groupe Montgrel, connu depuis les années quatre-vingt. Son travail questionne essentiellement les classifications habituelles et les usages des technologies (culture techno…). En 1999, Harwood reçut deux prix nationaux (le Clarks Digital Bursary et l’Imaginaria Award) et fut exposé à l’Institute of Contemporary Art ainsi qu’au Watershed Bristol.

[12] Cf. la page du site: http://www.tate.org.uk/netart/mongrel/home/default.htm (traduction donnée par Pierre Robert in « La Tate Bâtarde », Archée, Montréal, septembre 200): http://archee.qc.ca/ar.php?page=article&section=texte2&note=ok&no=128#2)

[13] Cf. capture d’écran de la première page, reprint in Annexes pp.97-98.

[14] Hacktivisme: Terme inventé en 1994 par le collectif américain ‘Critical Art Ensemble’. L’hacktivisme peut être considéré comme un mouvement artistique et subversif, assez bien structuré, qui transpose sur le réseau une forme de militantisme politique et altermondialiste.

[15] Cette démarche est assez proche de celle qu’il avait optée en 1997 pour Color Match. Il s’était alors servi d’un enregistrement de résultats sportifs (diffusé sur la BBC) pour monter un texte dans lequel il associait les équipes à des numéros de couleurs Pantone.

[16] En 2001, un pour cent des six cents cinq internautes interrogés sur le site de la Tate affirma s’y être rendu pour aller dans la rubrique ‘Net-Art’. En octobre 2001, cinq mille visiteurs accédèrent à la page principale de cette rubrique. La page d’accueil n’était alors que la trente-neuvième page la plus consultée (statistiques données lors du Web Trends report).

[17] Heath Bunting: cf. sa biographie au: http://www.irational.org/cgi-bin/cv/cv.pl?member=heath

[18] Susan Collins (née à Londres en 1964): après des études à la Slade School of Fine Art et à la School of the Art Institute of Chicago, elle se spécialisa dans les installations et les interventions dans les espaces publics – cf. sa biographie détaillée: http://www.susan-collins.net/SACbio.html

[19] Cf. dossier de presse: http://irational.org/cgi-bin/border/clients/deny.pl

[20] Cf. http://www.tate.org.uk/home/news/spacecomp_11-03-2003.htm

[21] En novembre 2003, la Tate présenta le site Blessed Bandwith de Shilpa Gupta. L’autre œuvre – créée par Natalie Bookchin et Jacqueline Stevens – fut reportée au mois d’avril 2004.